Exposición HEROÍNAS en la Fundación Caja Madrid y el régimen del UNO

Comparto con vosotras el material  que  encontré…

No soy capaz de ir a ver nada si no busco la presencia de las mujeres… “la vida”, la “entraña”… y aún con la información que llevaba… me faltó algo… Es una exposición “políticamente correcta”, o sea más de lo ya pensando... Su nombre: “Heroínas”… busco en el diccionario “Mujeres ilustres y famosas por sus grandes hechos. Las que llevan a cabo un hecho heroico. Protagonistas del drama o de cualquier otro poema análogo; como la novela” [1] 

Resultó ser un paseo por el régimen del “UNO” [2], una muestra del simbólico masculino y sus mediaciones de fuerza, de poder… la pintura recoge un trozo de Historia que refleja lo que nos puede y pasó a algunas mujeres que se empeñaron en ser… y sostener una mediación diferente a la del poder. Sentí cierto alivio en el primer piso con las pintoras…

MAGAS

En la mitología griega Circe era una diosa y hechicera que vivió en la isla de Eea. Sus padres fueron Helios, el titán preolímpico del Sol, y la oceánide Perseis. Transformaba a sus enemigos o a los que la ofendían en animales mediante el uso de pociones mágicas y era conocida por sus conocimientos de herborística y medicina. En la Odisea de Homero, su casa es descrita como una mansión de piedra que se alzaba en mitad de un claro en un denso bosque. Alrededor de la casa rondaban leones y lobos, que en realidad no eran más que las víctimas de su magia: no eran peligrosos y lisonjeaban a todos los extraños. Circe dedicaba su tiempo a trabajar en un gran telar.

Cuando Odiseo llegó a la isla de Eea mandó bajar a la mitad de la tripulación, quedándose él en su barco. Circe invitó a los marineros a un banquete, envenenando la comida con una de sus pociones, transformándolos en cerdos con una vara después de que se hubieran atiborrado. Sólo Euríloco, sospechando una traición desde el principio, logró escapar avisando a Odiseo y a los otros que habían permanecido en los barcos. Odiseo partió al rescate de sus hombres pero en el camino fue interceptado por Hermes, quien le dijo que se hiciese con algunas hierbas de moly para protegerse del mismo destino. Cuando Circe no pudo convertirlo en animal Odiseo le obligó a devolver a sus hombres la forma humana. Más tarde Circe se enamoró de Odiseo y le ayudó en su viaje de regreso a casa después de que él y su tripulación pasasen un año con ella en su isla. Según Homero, Circe sugirió a Odiseo dos rutas alternativas para volver a Ítaca: bien hacia las «rocas errantes»... o bien pasar entre la peligrosa Escila y el remolino de Caribdis, normalmente identificado con el estrecho de Mesina. Casi al final de su Teogonía Hesíodo cuenta que Circe tuvo tres hijos de Odiseo: Agrio (por lo demás desconocido), Latino y Telégono, quien gobernó a los tirsenos, es decir los etruscos. Poetas posteriores sólo suelen mencionar a este último como hijo de Odiseo y Circe. Cuando se hizo adulto, cuentan, Circe le envió a buscar a su padre, quien había regresado mucho tiempo atrás a su hogar, pero al llegar Telégono le mató por accidente, llevando su cuerpo de vuelta a Eea junto con su viuda Penélope y su hijo Telémaco. Circe les hizo inmortales y desposó a Telémaco, mientras Telégono se casó con Penélope. En historias posteriores, Circe transformaba a Pico en un pájaro carpintero por rechazar su amor, y a Escila en una criatura monstruosa con seis cabezas de perro cuando Glauco, otro objeto de los afectos de Circe, declaraba su amor eterno hacia aquélla. [3]

MEDEA

Jasón, esposo de Medea, se promete en matrimonio a Glauce, hija del rey Creonte de Corinto, ante el espanto de Medea, que ve su lecho deshonrado. Creonte, que había planeado el matrimonio, ante el temor de que Medea, sabia y hábil, se vengue, ordena su destierro inmediato. Pero Medea, fingiéndose sumisa, pide un solo día de plazo para salir al destierro. Ese plazo lo aprovecha para realizar unos presentes a Glauce: una corona de oro y un peplo que causan la muerte por el simple contacto. Glauce muere de forma horrible: No se distinguía la expresión de sus ojos ni su bello rostro, la sangre caía desde lo alto de su cabeza confundida con el fuego, y las carnes se desprendían de sus huesos, como lágrimas de pino, bajo los invisibles dientes del veneno. Tras perpetrar ese horrible asesinato, Medea se siente obligada a matar a sus propios hijos, para evitar que otras manos más crueles les quiten la vida para vengar la muerte de Glauce. Termina la obra con Medea subida en el carro de Helios, con quien ya tenía pactada su huida a Atenas, para evitar las iras de la familia de Creonte y de su propio marido Jasón. Desde el carro de Helios, Medea increpa a Jasón: "¡Oh niños, cómo habéis perecido por la locura de vuestro padre!." Jasón replica: "pero no los destruyó mi mano derecha. Medea responde: No, sino tu ultraje y tu reciente boda". [4]

La gran Safo de Lesbos.

La poetisa griega nació en la ciudad de Eresó, una de las cinco principales de la isla de Lesbos,   Fue hija de un rico y próspero comerciante de vinos, son famosos los vinos lesbios. Su fortuna y aristocracia provenían del saqueo a Troya, pues su progenitor fue de los combatientes vencedores en esa épica guerra. Su madre se llamaba Kleis. Safo fue la mayor y la única mujer de tres hermanos…“la de los ojos color violeta”, como le decía Alceo… “La mujer más famosa de Grecia, más que Helena, más que Aspasia,”… Fue Platón quien la llamó la décima musa, por lo tanto, Sor Juana Inés de la Cruz pasa a ser la Undécima.     

Al asesinar al tirano Melancro… Safo, poetisa comprometida, se unió a esa lucha política y sufrió las consecuencias: el destierro. Safo partió rumbo a Siracusa, Sicilia.  El exilio resultó ser algo positivo para su desarrollo intelectual, pues le permitió viajar más allá del Egeo e ilustrarse con el contacto de otras culturas. Incluso en Siracusa, donde ya se le conocía y se le dio un buen recibimiento, se casó con Cercilas o Kérkilos de Andros, un rico mercader, y tuvo una hija, que llamó como su madre que también fue el nombre de su abuela.  Kleis… Durante seis años, la poetisa de Lesbos se convirtió en el centro del movimiento cultural y artístico en Siracusa al organizar certámenes literarios-musicales, inolvidables recitales y danzas, era una excelente danzante. Fundó la primera universidad del mundo para mujeres. Ella es pionera en darle a la mujer un sitio de crecimiento… Sabemos que no amó a Kérkilos porque su lírica no habla de él. Kérkilos -un hombre ya anciano- murió al poco tiempo, heredándole a Safo una inmensa fortuna que ella convirtió en instituciones culturales. Erigió una casona señorial a la que llamó Museo, es decir, el lugar de las musas. Y siendo contemporánea de Pitágoras, fundó en Siracusa lo que él en Crotona: la primera universidad del mundo. En el caso de Safo, era únicamente para mujeres… esa universidad estaba inspirada en exclusiva para la educación de Kleis, su hija, pero al contratar a las mejores instructoras de diferentes ramas arte, técnica, canto, danza y, por supuesto, literatura las convenció de que ellas también compartiesen esos conocimientos con sus hijas... Fue así que se formó una escuela sistemática a la que bautizó como primera universidad. Por lo que, la primera universidad es fruto del deseo de una madre de educar a su hija. Su profundo amor maternal se refleja en la siguiente estrofa:

Tengo una hermosa hija
Que tiene para mí
La esplendente belleza de una flor de oro,
Mi amada Kleis,
A la que no cambiaría por todas las riquezas de Lidia,
Ni tan siquiera por la hermosa Lesbos.

Son sabidos los nombres de algunas de sus amadas, pues tuvo muchas: Anágora, Eunica, Gongila, Eranna, Telesipa, Andrómeda, Megara, Gorgo, pero su alumna favorita siempre fue Atthis. Cuando la familia de Atthis decidió retirarla de la enseñanza para casarla con un muchacho, la poetisa -pesarosa por la separación- escribió el doloso poema El Adiós a Atthis.

Igual a los dioses me parece el hombre dichoso que te abraza y te oye en silencio con tu voz de plata y tu sonrisa risueña...

Cuán cara y hermosa era la vida que vivimos juntas.

Y con abundantes aromas preciosos y exquisitos ungías tu piel fresca y joven en mi regazo y no había colina ni arroyo ni lugar sagrado que no visitáramos danzando...

Siglos después, el cristianismo la tachó de inmoral, de vida licenciosa y quemó su obra. Antes de Safo pululaba la poesía épica que habla de las gestas de los héroes, de los santones patrios. Ella fue la primera que se atrevió a hablar de lo que sucedía en su interior y no a su alrededor. Curiosamente hace honor a su nombre, pues en el dialecto eólico Safo significa transparente, traslúcido.  De sus nueve libros de poemas -muy célebres en la antigüedad- sólo se conservan algunos fragmentos:

De ella ver quisiera su andar amable
Y la clara luz de su rostro antes
Que a los carros lidios o a mil guerreros
Llenos de armas...

La luna luminosa huyó con las Pléyades.
La noche silenciosa ya llega a la mitad
La hora ya pasó y en vela sola en mi lecho, suelto la rienda al llanto sin esperar piedad.

El amor, ese ser invencible, dulce y amargo que desata los miembros, de nuevo acude a mí. El ha agitado mis entrañas como el huracán sacude monte abajo las encinas.
Luchar contra el amor es vano, pues como un niño hacia su madre, vuelo a él.
Mi alma está dividida: algo la detiene aquí, pero algo la hala para en amor vivir...

Vete tranquila.
No te olvides de mí porque sabes, debes saber, que yo estaré siempre a tu lado.
Y si no quieres saberlo, te recordaré lo que tú olvidas: muchas horas felices pasamos juntas; han sido muchas las coronas de violetas, de rosas, de flor de azafrán y ramos de eneldo que junto a mí te ceñiste.
Han sido muchas las veces que bálsamo de mirra y regio ungüento, derramaste sobre mi cabeza. Yo no podré olvidarlo y tú, tampoco. [5]

Evelyn De Morgan (n. 30 de agosto de 1855 como Evelyn Pickering –m. 1919, Londres) pintora inglesa prerrafaelita. Su padre era el magistrado de Pontefract, Percival Pickering; su madre, Anna Maria Wilhelmina Spencer Stanhope, era hermana del artista John Roddam Spencer Stanhope  Evelyn comenzó a recibir clases de dibujo con 15 años y convenció a sus padres para que la inscribieran en un centro de arte y en 1873, se apuntó a la Slade School of Art. Su tío, John Roddam Spencer Stanhope, fue muy influyente para ella y solía ir a visitarlo a Florencia. Esto también hizo que se interesara por artistas del Renacimiento como Botticelli. Se casó con el ceramista William De Morgan en 1887 y vivió con él en Londres hasta la muerte de William en 1917. Dos años más tarde falleció ella, está enterrada en el Brookwood Cemetery, cerca de Woking, Surrey.

MARTIRES

Sta Eulalia

Así narra los martirios de Eulalia de Mérida, el poeta Prudencio (S. IV)

''De madrugada, antes de la salida del sol, llegó a la ciudad, y se presentó ante el tribunal…  "Decidme, ¿qué furia es esa que os mueve a hacer perder las almas, a adorar a los ídolos y negar al Dios criador de todas las cosas? Si buscáis cristianos, aquí me tenéis a mí: soy enemiga de vuestros dioses y estoy dispuesta a pisotearlos; con la boca y el corazón confieso al Dios verdadero. Isis, Apolo, Venus y aun el mismo Maximiliano son nada: aquéllos porque son obra de la mano de los hombres, éste porque adora a cosas hechas con las manos. No te detengas, pues, quema, corta, divide estos mis miembros; es cosa fácil romper un vaso frágil, pero mi alma no morirá, por más acerbo que sea el dolor",

Airado sobremanera el pretor al oír tales requerimientos, ordenó furioso: "apresa esta temeraria y cúbrela de suplicios para que así sepa que hay dioses  y que no es cosa baladí la autoridad del que manda",… dijo el pretor a Eulalia: "Mas, antes de que mueras, quiero convencerte de tu locura en lo que me es posible. Mira cuántos goces puedes disfrutar, qué honor puedes recibir de un matrimonio digno. Tu casa, deshecha en lágrimas, te reclama: gimiendo estará la angustiada nobleza de tus padres, puesto que vas a caer en vísperas de esponsales y de bodas. ¿O es que no te importan las pompas doradas de un lecho ni el venerable amor de tus ancianos padres, a quienes con tu obstinada temeridad vas a quitar la vida? Mira, ahí están preparados los instrumentos del suplicio: o te cortarán la cabeza con la espada, o te despedazarán las fieras, o se te echará al fuego, y los tuyos te llorarán con grandes lamentos, mientras tú te revolverás entre tus propias cenizas. ¿Qué te cuesta, di, evitar todo esto? Con que toques tan sólo con la punta de tus dedos un poco de sal y un poquito de incienso, quedarás perdonada".

Pero Eulalia nada respondió, sino que, arrebatada de indignación, escupió al rostro del pretor, arrojó al suelo los ídolos que tenía delante de sí, y de un puntapié echó a rodar la torta sacrifical puesta sobre los incensarios. Inmediatamente dos verdugos se aprestaron a desgarrar sus pechos y los garfios abrieron sus costados hasta llegar a los huesos, mientras Eulalia tranquilamente contaba sus heridas. Al contemplar aquella carnicería, Eulalia decía al Señor sin lágrimas ni sollozos: "He aquí que escriben tu nombre en mi cuerpo. ¡Cuán agradable es leer estas letras, que señalan, oh Cristo, tus victorias! La misma púrpura de mi sangre exprimida habla de tu santo nombre". 

Ante aquella intrepidez, se dispusieron a aplicarla el último tormento; mas no se contentaron con propinarla azotes que la desgarraran fieramente la piel,  sino que la aplicaron por todas partes, al estómago, a los flancos, hachones encendidos. Pero, así que la cabellera que se deslizaba por el cuello y se desparramaba suelta por los hombros… la llama crepitante voló sobre su rostro y la envolvió por completo. ,Y,  he aquí que de su boca salió, rauda, una paloma más blanca que la nieve, que, hendiendo el espacio, tomó el camino de las estrellas: era el alma de Eulalia, blanca y dulce como la leche, ágil e incontaminada. Así lo vieron estupefactos y dieron de ello testimonio al huir aterrorizados y arrepentidos. Eulalia torció  el cuello a la salida del alma; apagóse el fuego de la hoguera. Todo esto acaeció un día 10 de diciembre. El cielo cuidó en seguida de velar por el tierno cuerpo de aquella virgen y rendirle las debidas honras fúnebres, porque al punto cayó una nevada que cubrió el foro, y en él el cuerpecito de Eulalia, que yacía abandonado en la helada intemperie como para protegerlo con una mantilla blanca. Tal es descripción que nos dejó Prudencio del martirio de Eulalia de Mérida, en coincidencia con las actas que sobre estas mismas hazañas escribiera un testimonio ocular Sigilosamente se aprestarían los cristianos de Mérida a rescatar las preciosas reliquias de aquella intrépida niña (12 años) que con su muerte acababa de dar tan espléndido testimonio de la fe. Embalsamarían delicadamente su cuerpo y le darían sepultura precisamente en aquel mismo lugar donde pasada la persecución, se levantó una espléndida basílica, según testimonio de Prudencio, que la vio [6]

Sta. Catalina

Nació 290 ¿? en una noble familia de Alejandría, Egipto. Dotada gran inteligencia destacó, por sus extensos estudios que situaron al mismo nivel que las más grandes poetas y filósofos de la época. Una noche se la apareció Cristo y decidió consagrarle su vida, considerándose su prometida.  El Emperador Maximiano acudió a Alejandría a presidir gran fiesta pagana. Catalina aprovechó para intentar su conversión al cristianismo, lo que despertó su cólera. Le impuso un debate filosófico con 50 sabios a los que trataría de convertir. Catalina lo logró provocando la ira de Emperador, que hizo ejecutar a los sabios, no sin proponerle antes a Catalina que se casara con uno de ellos, a lo que ella se negó rotundamente. El Emperador ordenó, entonces, que torturaran a Catalina utilizando una máquina que tenía ruedas guarnecidas c/pinchos. Milagrosamente ruedas se rompieron al tocar el cuerpo de Catalina. Obstinado, Maximiano ordenó su ejecución y fue decapitada. Su tumba se halla en Monte Sinaí, en monasterio peregrinaciones de todo el mundo. La leyenda narra que los monjes del monasterio construido a los pies del Monte Sinaí descubrieron en una gruta de montaña el cuerpo intacto de una joven a la que reconocieron como a Catalina de Alejandría cuyo cuerpo habría sido depositado allí por ángeles. Durante Cruzadas la leyenda de Catalina se difundió por Occidente dando motivo a una gran devoción que inspiró a artistas que representan c/aureola tricolor: blanca, su virginidad; verde su sabiduría y roja por martirio. La rueda está detrás de ella. Su existencia fue puesta en duda por la Iglesia Católica 1961, considerándola creación literaria contrapunto cristiano a la gran filosofía pagana Hypatia de Alejandría, sin embargo permanece inscrita en el Martirologio romano. Patrona… barberos, carreteros, cordeleros, traperos, escolares, estudiantes, hilanderas, molineros, notarios, nodrizas, oradores, filósofos, fontaneros, alfareros, predicadores, afiladores, sastres, teólogos, torneros y de solteras, día de las Catalinadas.

Kiki Smith, 18 de enero 1954, en Nuremberg,    MUJER en la PIRA

Escultora, pintora y artista. En 1976 viaja a Nueva York, donde conoce al productor de cine C. Ahearn, quien la introduce en el grupo de artistas Collaborative. En  1979 realiza las primeras pinturas de la serie Miembros separados. Empieza a utilizar la anatomía de Gray como fuente de material. En 1987 realiza las primeras esculturas con papel, con el cuerpo como tema central. [7]

Como   feminista  Su Body Art está imbuido de significado político,  con frecuencia expone el interior del cuerpo de las mujeres como una metáfora.  Su trabajo también incluye a menudo los temas del nacimiento y la regeneración,.…ha participado activamente en el debate sobre  el SIDA, raza.. , y las mujeres maltratadas. Comenzó a esculpir a finales de 1970.  Ella era un miembro activo de los artistas del Grupo de los Colab 

Su colección de impresión es muy extensa y se inició en la década de 1980. The Museum of Modern Art (MOMA)    ha declarado que "Imprime imitar lo que somos como seres humanos: somos todos iguales y sin embargo cada uno es diferente Creo que hay un poder espiritual en la repetición,. "  Desde 1980 ha producido una gran cantidad de obras escultura, grabados, instalaciones y otros.…a veces inquietante, el sentido de la intimidad en sus provocaciones tipo político y social. En asociación con el grupo de música Colab, publicó una serie de carteles en la década de 1980 que contiene las declaraciones políticas Una muestra de sus otros trabajos incluyen:

.María Magdalena (1994), una escultura de bronce de silicio y acero forjado, cuerpo de una mujer desnuda en una forma no tradicional: su cuerpo está despellejado, sin la piel para mostrar el tejido muscular al descubierto.  También ha creado una extensa colección de autorretratos, la naturaleza, y muchas piezas que muestran escenas de los cuentos de hadas, a menudo en formas no convencionales.   Su padre era el artista Tony Smith y su madre la actriz y cantante de ópera Jane Lawrence     En 2009, Smith fue galardonado con el Museo de Brooklyn Mujer en El Premio de las Artes .

   

Juana de Arco Domrémy, 1412-Ruán, 1431 Francia, 

 “Nacida en el seno de una familia campesina, su infancia transcurrió en el sangriento conflicto la guerra de los Cien Años que enfrentó al delfín Carlos, primogénito de Carlos VI de Francia, con Enrique VI de Inglaterra por el trono francés, y que provocó la ocupación parte del norte de Francia por las tropas inglesas y borgoñonas. C/13 años, Juana confesó haber visto a san Miguel, sta Catalina y sta Margarita y que sus voces la exhortaban a llevar una vida devota y piadosa…años más tarde, llamada por Dios a dirigir el ejército francés, coronar como rey al delfín en Reims y expulsar a los ingleses. En 1428, viajó hasta Vaucouleurs… unirse a las tropas del príncipe Carlos, pero fue rechazada. A los pocos meses, el asedio de Orleans por los ingleses agravó la delicada situación francesa y obligó al delfín a refugiarse en Chinon, localidad a la que acudió Juana, con una escolta facilitada por Roberto de Baudricourt, para informar a Carlos acerca del carácter de su misión, hizo examinar por varios teólogos, accedió al fin a confiarle el mando de un ejército de cinco mil hombres, con el que la joven consiguió derrotar a los ingleses y levantar el cerco de Orleans, 8 de mayo de 1429. y realizó una serie de campañas victoriosas que franquearon al delfín el camino hacia Reims y permitieron su coronación como Carlos VII de Francia (17 julio 1429). Acabado su cometido, Juana dejó de oír sus voces interiores y pidió permiso para volver a casa, pero ante la insistencia de quienes le pedían que se quedara, continuó combatiendo, primero en el infructuoso ataque contra París de septiembre de 1429, y luego en el asedio de Compiègne, donde fue capturada por los borgoñones el 24 de mayo de 1430. Entregada a los ingleses, fue trasladada a Ruán y juzgada por un tribunal eclesiástico acusada de brujería, con el argumento de que las voces que le hablaban procedían del diablo, con lo cual se pretendía presentar a Carlos VII como seguidor de una bruja para desprestigiarlo. Tras un proceso inquisitorial de tres meses, fue declarada culpable de herejía y hechicería; pese a que ella había defendido siempre su inocencia, acabó por retractarse de sus afirmaciones, y ello permitió conmutar la sentencia de muerte inicial por la de cadena perpetua. Días más tarde, sin embargo, recusó la abjuración y reafirmó el origen divino de las voces que oía, por lo que, condenada a la hoguera, fue ejecutada el 30 de mayo de 1431 en la plaza del mercado viejo de Ruán.   En 1456, Juana de Arco fue rehabilitada solemnemente por el papa Calixto III, a instancias de Carlos VII, quien promovió la revisión del proceso. Considerada una mártir y convertida en el símbolo de la unidad francesa, fue beatificada en 1909 y canonizada en 1920, año en que Francia la proclamó su patrona.

MISTICAS

Julia Fullerton-Batten,...  1970 Bremen, Alemania.

Pertenece a una generación de fotógraf@s ingleses (a una corta edad se mudó a Inglaterra) su trabajo no sería posible sin herramientas digitales de post-producción Quizás su trabajo más reconocido es el de la serie Teenage Stories, donde vemos a adolescentes gigantes que invaden ciudades hechas maqueta. Esta serie enseguida te hace recordar al clásico Alicia en el País de las Maravillas. En todas las imágenes vemos a adolescentes que se encuentran justo en ese punto donde están por convertirse en adultos rodeadas por un ambiente que si bien puede ser cotidiano para el resto de las personas, no lo es para ellas y no sólo es por cuestión proporcional, más bien la proporción es solo el elemento denotativo del discurso que a la vez invita a reflexionar sobre los valores connotativos… aborda los problemas que tienen las mujeres a esa edad respecto a su entorno. [8]

Desde pequeña bebió el oficio a través de su padre, de origen inglés, y ha creado un mundo de auténtica fantasía, mundos surrealistas, e imágenes inquietantes. Pasó unos años en Estados Unidos y estudió en el Berkshire College of Art and Desing. Antes de terminar sus estudios una serie de fotografías que tomó en un viaje a Vietnam le hicieron merecedora de varios premios y una agencia alemana le dio su primer trabajo.  Una de  series preferidas "In Between" vemos a mujeres congeladas en un instante en el que parecen ser empujadas por una fuerza invisible o que levitan con una gran fuerza.   [9]

Marina Abramovic, [10]  (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946),

Artista serbia de performance que empezó su carrera los 70 ha sido descrita por sí misma como la "Abuela del arte de la performance". explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.

Su abuelo fue un patriarca de la Iglesia Ortodoxa Serbia. Tras su muerte, fue proclamado santo, embalsamado, y colocado en la Iglesia de San Sava en Belgrado. Ambos padres fueron partisanos en la Segunda Guerra Mundial: su padre Vojo fue un comandante aclamado como héroe nacional después de la guerra; su madre Danica fue comandante en la armada, y a mediados de los sesenta fue Directora del Museo de la Revolución y Arte en Belgrado. El padre abandonó a la familia en 1964.

Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance en solitario. En 1976 dejó Yugoslavia y se fue a Ámsterdam.

LECTORAS

 

Anni Leppälä nació (1981) en Helsinki, Finlandia. Estudió en la Univerisdad de Arte y Diseño de Helsinki y al graduarse fue elegida como la artista finlandesa mas joven del año. Vive y trabaja en Helsinki. 

El trabajo fotográfico de Anni Leppälä plasma memorias listas para ser colgadas en paredes que adquirirán una nueva dimensión, una profundidad que va más allá del concreto y lo vuelve transparente. Mi interés hacia la fotografía está relacionado con la posibilidad de ser capaz de parar algo en el tiempo. Que algo haya estado pasando, y ahora haya sido puesto en un estado inmóvil. Hay un cierto aspecto de momentos perdidos, una presencia de tristeza y un sentimiento de alquiler cuando miramos las fotografías. Ellos existen en la intersección de los momentos: el constante cambio entre el sentimiento de estar vivo y el conocimiento de los momentos pasando. Estoy interesada en como la superficie concreta de realidad se relaciona con las cosas metafóricas que pueden ser encontradas debajo. Como la interpretación intuitiva, la información silenciosa se relaciona con el que que es retratado en la superficie concreta de la fotografía. Los objetos y espacios pueden presentarse como rutas transparentes entre el interior y el exterior de lo que cada elemento significa. Quiero acercarme al momento donde sobrevive la constancia. La paradoja consiste en que cuando uno trata de conservar o proteger un momento, inevitablemente uno lo pierde al mismo tiempo. Los pensamientos de falta e inseguridad son importantes en mis fotografías. Trato de remontar ocasiones, como cuando las palabras se disuelven y se dispersan por ahi. ¿Cómo parar un sentimiento o una memoria? Atándolo a cosas visibles, adjuntándolo a las paredes de un espacio, la superficie de fotografías. Como piel translúcida con memorias imprevistas por debajo.

PINTORAS

“El caso de Sofonisba Anguissola (Cremona 1532 – Palermo 1625) es un ejemplo más de la nula consideración que han tenido las mujeres artistas en la historia del arte. A pesar de ser una celebridad en vida, fue rápidamente relegada al olvido, donde ha permanecido durante siglos y muchas de sus obras han sido atribuidas a otros artistas como el célebre retrato de Felipe II atribuido a Alonso Sánchez Coello. Únicamente, en los últimos años, la nueva historiografía ha vuelto a situarla en el lugar que le corresponde

Nacida en Cremona en el seno de una familia de la baja nobleza, Sofonisba, que debe su nombre al gusto de su padre, Almilcare Anguissola, por la historia de Cartago, era la mayor de siete hermanos, seis de los cuales eran mujeres (Sofonisba, Elena, Lucía, Europa, Minerva y Ana María).

Ante la imposibilidad de pagar dote a todas sus hijas, Almilcare se propuso darles una exquisita educación que le permitiera conseguir un marido o un puesto de dama de corte en alguno de los reinos europeos. De todas ellas fue Sofonisba quien destacó. Su primer maestro fue Bernardo Campi, de quien aprendió los rudimentos de la pintura, más tarde estudiaría durante tres años con Bernardino Gatti.

Viaje a Roma

En 1554, cuando contaba 21 años, decidió trasladarse a Roma para aprender de los grandes maestros, allí conocerá a un Miguel Ángel anciano que se convertirá en su consejero y amigo. Durante los dos años que pasa en Roma, su fama comienza a crecer, e incluso el papa Julio III comprará uno de sus autorretratos. Es probable que también entonces conociera a Giorgio Vasari que la cita en su libro Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori.

Estancia en la Corte de Felipe II

Tras su estancia en Roma, viaja a Mantua y Milán donde conoce al Duque de Alba, Fernando Álvarez de Toledo, por mediación del cual conseguirá un puesto de dama de corte de Isabel de Valois, esposa de Felipe II. El interés de la reina por la música y las artes, provocó una corriente de simpatía entre las dos y Sofonisba permanecerá en la corte española desde 1559. Durante este periodo, a pesar de que el pintor de la corte era Alfonso Sánchez Coello, Sofonisba retratará a todos los miembros de la familia real.

A la muerte de Isabel de Valois en 1568, Sofonisba permanecerá en la corte al cuidado de sus dos hijas, las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina. En 1573, Sofonisba contrae matrimonio con Don Fabricio de Moncada, un noble siciliano y parte a la isla italiana donde permanecerá cinco años.

Retorno a Italia y últimos años

Tras la muerte de su esposo, Sofonisba decide regresar a Cremona y en el buque que le lleva a Génova conocerá al capitán, Orazio Lomellini, bastante más joven que ella y con el que, a pesar de la oposición familiar, contraerá matrimonio, instalándose en Génova donde residirá hasta los noventa años, recibiendo importantes visitas como la de la Infanta Clara Eugenia.

En 1615 se trasladó a Sicilia donde permanecerá hasta su muerte y donde será retratada por un joven Van Dick que quedó muy impresionado por la artista. Sofonisba siguió trabajando hasta 1620, año en que, debido a su avanzada edad, perdió la vista. Sofonisba Anguissola murió en Palermo en 1620, dejando una obra artística de calidad.

El hecho de no haberse dedicado jamás profesionalmente a la pintura, ya que nunca vendió un cuadro y a que no firmaba sus obras en las únicamente en ocasiones, dejaba su marca, ha llevado a que muchos de sus cuadros hayan sido atribuidos a otros artistas.

Artículo de Gemma E. Ajenjo Rodríguez

Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593 - Nápoles, hacia 1654) fue una pintora caravaggista italiana, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639). Vivió en la primera mitad del siglo XVII. Tomó de su padre, Orazio, el límpido rigor del dibujo, injertándole una fuerte acentuación dramática, tomada de las obras de Caravaggio, cargada de efectos teatrales; elemento estilístico que contribuyó a la difusión del caravaggismo en Nápoles, ciudad a la que se trasladó en 1630.

Fue la hija mayor del pintor Orazio Gentileschi, uno de los grandes representantes de la escuela romana de Caravaggio. Artemisia fue introducida a la pintura en el taller de su padre, mostrando más talento que sus hermanos, que trabajaron junto a ella. Aprendió dibujo, cómo empastar los colores y dar brillantez a los cuadros. Dado que el estilo de su padre, en aquellos tiempos, se remitía explícitamente al arte de Caravaggio (con el que Orazio tenía relaciones de familiaridad), también los primeros pasos artísticos de Artemisia se situaron, por motivos diversos, en el despertar del gran pintor lombardo. Pero su aproximación a los temas era diferente de la de su padre.

Firmó a los diecisiete años su primera obra, (aunque muchos sospecharan entonces que fue ayudada por su padre): Susana y los viejos, 1610, colección Schönborn en Pommersfelden). El cuadro muestra cómo Artemisia había asimilado el realismo de Caravaggio sin permanecer indiferente al lenguaje de la escuela de Bolonia, que tuvo a Annibale Carracci entre sus mejores artistas. A los diecinueve años, dado que el acceso a la enseñanza de las academias profesionales de Bellas Artes era exclusivamente masculino, y por tanto le estaba prohibido, su padre le dio un preceptor privado, Agostino Tassi. Con él estaba trabajando en aquel tiempo Orazio, en la decoración de las bóvedas de Casino della Rose dentro del Palacio Pallavicini Rospigliosi en Roma.

Un escándalo marcó su vida. Tassi la violó en 1612. Al principio, él prometió salvar su reputación casándose con ella, pero más tarde renegó de su promesa, pues ya estaba casado, y Orazio lo denunció ante el tribunal papal. La instrucción, que duró siete meses, permitió descubrir que Tassi había planeado asesinar a su esposa, cometió incesto con su cuñada y había querido robar ciertas pinturas de Orazio Gentileschi. Del proceso que siguió se conserva documentación exhaustiva, que impresiona por la crudeza del relato de Artemisia y por los métodos inquisitoriales del tribunal. Artemisia fue sometida a un humillante examen ginecológico y torturada usando un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a los dedos — una tortura particularmente cruel para un pintor. De esta manera se pretendía verificar la veracidad de sus acusaciones, pues se creía que si una persona dice lo mismo bajo tortura que sin ella, la historia debe ser cierta. Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios. Las actas del proceso han influido grandemente en la lectura en clave feminista, dada en la segunda mitad del siglo XX, a la figura de Artemisia Gentileschi.

Este es el testimonio de Artemisia en el proceso, según los documentos de la época:

Cerró la habitación con llave y una vez cerrada me lanzó sobre un lado de la cama dándome con una mano en el pecho, me metió una rodilla entre los muslos para que no pudiera cerrarlos, y alzándome las ropas, que le costó mucho hacerlo, me metió una mano con un pañuelo en la garganta y boca para que no pudiera gritar y habiendo hecho esto metió las dos rodillas entre mis piernas y apuntando con su miembro a mi naturaleza comenzó a empujar y lo metió dentro. Y le arañé la cara y le tiré de los pelos y antes de que pusiera dentro de mi el miembro, se lo agarré y le arranqué un trozo de carne

Eva Menzio (editora), Artemisia Gentileschi, Lettere precedute da Atti di un processo di stupro, Milán, 2004 [11]

Hay todavía, sea en el arte de Artemisia, sea en su biografía, algo que la hace especialmente fascinante y que despierta el interés de algunos escritores y, no por casualidad, de algunas escritoras. La primera escritora que decidió componer una novela en torno a la figura de Artemisia, fue Anna Banti, quien estuvo casada con Roberto Longhi. Su primer borrador del texto, en forma manuscrita, data de 1944, pero se perdió en el trascurso de las vicisitudes bélicas. La decisión de volver al libro, titulado Artemisia, escribiéndolo de forma diferente, la tomó tres años más tarde. Anna Banti se pone en su nueva novela a dialogar con la pintora, en forma de un "diario abierto", en el que busca - en paralelo al relato de la adolescencia y madurez de Artemisia - explicarse a sí misma la fascinación que siente, y la necesidad que debió sentir de dialogar, de mujer a mujer, sobre las límpidas, aunque apasionadas, consideraciones artísticas de las que tantas veces habría hablado con Roberto Longhi. En España, Artemisia se publicó por Ediciones Cátedra, S.A. en 1992; la ha reeditado en 2008 la editorial Alfabia, con un ensayo introductorio de Susan Sontag.

Más de cincuenta años más tarde, en 1999, la escritora francesa Alexandra Lapierre afronta, de nuevo con una novela, la fascinación enigmática de la vida de Artemisia, y lo hace a partir de un estudio extremadamente escrupuloso de la biografía y del contexto histórico que le sirve de fondo. El análisis psicológico que se lee entre líneas, para comprender la relación entre Artemisia mujer y Artemisia pintora, acaba por utilizar, como un Leitmotiv, la relación, hecha de un afecto que encuentra difícil expresarse y de una rivalidad profesional latente - entre padre e hija. Esta novela, con el título de Artemisia, ha sido editada en 1999 por Editorial Planeta, S.A. y por Planeta DeAgostini en 2000 y 2006.

Artemisia, y más específicamente su cuadro Judith decapitando a Holofernes, son mencionados en la obra de Wendy Wasserstein del año 1988 The Heidi Chronicles, donde el personaje principal, Heidi imparte clases sobre ellas como parte de su curso de historia del arte sobre pintoras. Al final de la obra, Heidi adopta a una hija a la que llama Judy, que es al menos una referencia parcial a la pintura.

En 1989 publicó Maria Àngels Anglada su novela Artemisia, sobre esta misma figura; posteriormente se ha reeditado en 1995 y en 1999. La dramaturga canadiense Sally Clark escribió una obra de teatro basada en los acontecimientos que llevaron al rapto, así como los posteriores. "Life Without Instruction" fue un encargo del Teatro Nightwood en 1988. Se trabajó en 1990, bajo la dirección de Kate Lushington y Jackie Maxwell. "Life Without Instruction" se estrenó en el Teatro Plus de Toronto el 2 de agosto de 1991.

Cabe mencionar, finalmente, entre las obras publicadas en España, Artemisia Gentileschi, de Rauda Jamis, Circe Ediciones, S.A., 1998. De más reciente aparición es la novela de Susan Vreeland titulada The Passion of Artemisa (en España, La pasión de Artemisia, 2006), que vuelve a hacer una lectura feminista de su obra, 

 ¡Dentro del género documental, ya se había rodado en 1992, Artemisia, producción canadiense para televisión.

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Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón,  

(Coyoacán, 6 de julio de 1907 – ibidem, 13 de julio de 1954), fue una destacada pintora mexicana.

Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo (Wilhelm Kahlo), fotógrafo de origen judío-húngaro con su segunda esposa, la mexicana Matilde Calderón, de ascendencia española Sus dos hermanas mayores fueron Matilde y Adriana; después de ellas nació el único hijo varón de la familia, el cual sobrevivió apenas unos días. Cuando Frida tenía apenas once meses, en junio de 1908 nace su hermana menor, Cristina, su constante compañera y la única de las hermanas Kahlo en dejar descendencia. Además de ellas, Frida tuvo tres media hermanas mayores: Luisa, la mayor, una segunda hermana fallecida al momento de nacer y Margarita, todas nacidas del primer matrimonio de su padre con María Cardeña (llamada también Cerdeña en algunas fuentes), fallecida en el parto de Margarita en 1898  

Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1913 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda. En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México, la cual empezaba por primera vez a admitir chicas como alumnas. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela. En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández Domínguez. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de su vida corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento" El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación. Tras esa recuperación, que le devolvió la capacidad de caminar, una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban, entre otros, la conocida fotógrafa, artista y comunista Tina Modotti y Diego Rivera. En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad.

En 1939 Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las dos Fridas. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre. Ese mismo año expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero. A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda del México, D. F.. [12]

Lee Krassner, [13]    (1908-1984)   (Lena Krasner)  

Lee Krasner es uno de los numerosos casos en el que una artista queda totalmente eclipsada por la figura de su marido, cuya relevancia artística anula completamente su obra y su trabajo. Sin embargo fue una de las principales representantes del Expresionismo Abstracto norteamericano de mediados del S. XX, no precisamente por su matrimonio con Jackson Pollock, sino por méritos propios. Desde jovencita tuvo clara su vocación pictórica, comenzó su formación en la Washington Irving School, pasando poco después a la Women’s Art School y a continuación a la Art Students League y la Nacional Academy of Design. Sus primeras obras están inspiradas en Mondrian, Picasso, y sobre todo de Matisse… sus juegos de colores intensos y puros, y su trabajo de formas recortadas… no eran tiempos fáciles para vivir del arte y menos para una mujer, y por ello en los años de la Depresión tuvo que dedicarse a posar para otros artistas, así como a servir copas en el Sam Johnson’s Café de Nueva York. No dejó de pintar, ni de frecuentar los corrillos artísticos donde pululaban desde pintores desconocidos hasta artistas como Mondrian, huido a causa de la Segunda Guerra Mundial y a quien conoció personalmente, lo que acrecentó la admiración que ya le profesaba. En 1938 contactó con Hans Hofmann, uno de más prestigiosos profesores de arte estadounidenses, que no sólo aplaudió su trabajo, sino que la animó a seguir por un camino nuevo de experimentación plástica, embrión del Expresionismo Abstracto. Hofmann, le rompía directamente los dibujos que no le gustaban… En este contexto, cuando Krasner se halla perfectamente integrada en grupo de jóvenes pintores abstractos norteamericanos, en el que se produce el acontecimiento que marcará su vida. Su inclusión en participantes en la exposición colectiva de la McMillen Gallery de Nueva York, es la ocasión que permite conocer a Jackson Pollock, en ese momento desconocido, que sufría una fuerte dependencia del alcohol.

Probablemente fuera Lee Krasner, la primera en reconocer la verdadera valía de la obra de Pollock… que se casan en 1945, comenzando a partir de ese momento una nueva vida para Lee Krasner… porque decide dedicar su vida en cuerpo y alma al éxito de su marido. Su especial relación con artistas como De Kooning, críticos como H. Rosenberg y su amistad con Hofmann, sirvieron para promocionar la obra de su marido… también aborda con abnegación todas las tareas estrictamente maritales y reduce su trabajo pictórico, que cuando puede hacerlo lo realiza en el salón de la casa mientras el estudio queda reservado para Pollock. Lo apoyó, lo ayudó, luchó contra su alcoholismo y si no le dio un hijo fue porque “no podría lidiar con otro más”. En cualquier caso su labor contribuyó al éxito de su marido, que al final terminaría convirtiéndose en el mayor exponente del Expresionismo Abstracto y uno de los pintores fundamentales del S. XX. Muerto Jackson Pollock en 1959 en un accidente de tráfico, Lee Krasner vuelve a reencontrase consigo misma y retoma su trabajo pictórico, aunque la sombra de su marido seguiría eclipsándola en vida, y tanto es así que en los primeros estudios y recopilatorios que se realizan sobre el Expresionismo Abstracto, ella no aparece en ninguno. Tendrá que esperar a dos grandes retrospectivas sobre su obra: 1965 en la Whitechapel Gallery de Londres, y  la antológica en Whitney Museum  Nueva York de 1973.

Su obra tiene dos etapas cuya frontera se halla en su relación con Pollock. Su periodo anterior al matrimonio marcada por una pintura de formas geométricas y colores vivos, fuertemente contorneados de negro. Se aprecia influjo de Matisse y en el Neoplasticismo de Mondrian, en ella c/un sentido más espontáneo Su segunda etapa su abstracción se diluye ahora en formas más suaves y redondeadas, y que incluso pierde parte de su abstracción en beneficio de formas vegetales más realistas,  Series de la Tierra Verde que realiza sólo un años después de morir su marido, sin perder nunca de vista el protagonismo del color, rotundo, vivo, palpitante. Lee Krasner moría en Nueva York en 1984.

[1] Diccionario de la Lengua Española, 1989

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[2]  Mª Milagros Rivera Garretas, dice: “…La gran aportación de la historiografía del s. XX al vocabulario político,  fue la palabra “social”.  Hoy…la realidad reclama más palabras… propongo… tres: dos, amor y relación. “Dos” porque  el mundo está poblado por mujeres y hombres… de manera que la historia, que es una… como es uno el mundo,  se presenta, paradójicamente, siempre y solo en dos, en mujer o en hombre,  en femenino o en masculino,  ya que son dos los sexos que habitan y experimenten el mundo… “Amor” porque… bastante gente de Occidente hemos ido tomando conciencia de una verdad –ya advertida por María Zambrano en 1955- …El amor fue expulsado de la democracia en la Grecia clásica, en tiempos de Antígona, la chica que fue condenada  a ser enterrada viva  por enterrar ella (por amor) a su hermano Polinices, desobedeciendo las leyes de la ciudad… Y “Relación” porque… en el  tiempo… que es de intenso desarrollo de las comunicaciones, el individualismo  moderno  nos aburre.  …”  “Las relaciones en la Historia de la Europa Medieval” Varias autoras. Ed. Tirant Lo Blanch – Colección crónica, Valencia 2006 Capitulo 3: La política sexual. Pág. 139
[3] http://es.wikipedia.org/wiki/Circe
[4] http://es.wikipedia.org/wiki/Medea_(Eur%C3%ADpides)
[5] Fuente:  Revista “Razón y palabra”: Graciela Barabino  Escritora. Integrante de la Sociedad de Escritores de Morelos, SEM, México.

[6] http://es.wikipedia.org/wiki/Eulalia_de_M%C3%A9rida
[7] De Wikipedia, la enciclopedia libre
[8] http://foco.me/julia-fullerton-batten/
[9] http://es.paperblog.com/quien-es-julia-fullerton-batten-376945/
[10] De Wikipedia, la enciclopedia libre
[11] http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi
[12] http://es.wikipedia.org/wiki/Frida_Kahlo

[13]  Enlace http://www.artecreha.com/La_mujer_en_el_Arte/lee-krasner.html